LA VENERE DI MILO risale al 130 a.C ed è conservata al Louvre di Parigi.

E' una delle più celebri statue greche. Si tratta di una scultura di marmo, alta circa 203 cm e priva delle braccia e del basamento originale. Si ignora l'autore, c'è chi ritiene che si tratti di un'opera di Alessandro di Antiochia; in passato, alcuni attribuirono erroneamente l'opera a Prassitele. La Venere di Milo venne ritrovata spezzata in due parti nel 1820 sull'isola greca di Milos. Non si conosce precisamente quale episodio mitologico della vita di Venere venga rappresentato: si ritiene possa essere una raffigurazione della Venus Victrix che reca il pomo dorato a Paride: del resto, tale intepretazione ben si accorderebbe con il nome dell'isola dove è stata ritrovata (milos, in lingua greca, significa infatti "mela"). Del resto, alcuni frammenti di un avambraccio e di una mano recante una mela sono stati ritrovati vicino alla statua stessa. Dopo il ritrovamento dell'opera, sono stati numerosi i tentativi di ricostruirne la posa originaria.
 

LA MAYA DESNUDA e LA MAYA VESTITA di Francisco Goya, Madrid 1789-1805, Museo del Prado Madrid

Tra il 1798 e il 1805, Goya realizzò la Maya vestita e la Maya desnuda, due raffigurazioni della stessa ragazza ritratta, appunto, vestita e nuda. Il committente è ignoto, ma si sa che i dipinti giunsero in possesso del primo ministro Godoy, famigerato donnaiolo, il quale pare che tenesse i quadri uno sovrapposto all'altro, in modo che per mezzo di un particolare meccanismo di trazione la Maya svestita sottostante potesse comparire ogni qual volta lo si desiderava.
La particolarità e l'audacia della Maya desnuda risiede nella rappresentazione priva di alcuna trasfigurazione allegorica, mitologica o religiosa del coro nudo, e quindi nella rottura con le convenzioni contemporanee relative a questo genere, risalenti al rinascimento.
Nel quadro di Goya nulla distrae dalle sensualità e dall'erotismo della figura, nessun ornamento, nessun accessorio nella stanza, nessuna stoffa particolare. Tranquilla sicura di sè e invitante, la ragazza guarda l'osservatore, dando adito a ogni tipo di fantasia. Tale modalità di rappresentazione apparve all'epoca talmente indecente da costare a Goya nel 1814 una citazione davanti al tribunale dell'Inquisizione (nel frattempo ripristinato, ancora per pochi anni, proprio in Spagna).
Il dipinto si distingue anche per un altro motivo: il costume che la ragazza indossa nella versione "vestita" caratterizza la donna come maja, ossia come fiera appartenente a un determinato ceto sociale legato al majoismo, quella particolare versione di patriottismo castigliano, che designa un fiero stile di vita. Veniva rifiutata infatti l'autorità e la dipendenza dell'individuo dalle istituzioni statali, lo stesso Goya proveniva da questa tradizionale classe sociale a cui restò legato per tutta la vita.

PAOLINA BORGHESE. Antonio Canova, Galleria Borghese, Roma.

Paolina Borghese, sorella dell'Imperatore, è ritratta adagiata su un divano ad una sponda rialzata con il busto sollevato e appoggiato su due cuscini. Il suo corpo è nudo fin quasi all'inguine dove è coperta da un drappo che si adatta perfettamente alle curve del corpo. La sorella di Bonaparte è raffigurata come Venere vincitrice, infatti tiene in una mano il pomo della vittoria offertole da Paride che l'aveva giudicata la più bella dopo una sfida con Giunone ed Atena. Inoltre l'idealizzazione del volto e le sembianze divine collocano la donna al di fuori della realtà terrena. L'opera è curata nei minimi particolari da Canova che liscia alla perfezione il bellissimo corpo della donna e che scolpisce minuziosamente i capelli. Alla fine per rifinirla e forse anche per restituirla al Mondo dei mortali il maestro stende un sottile strato di cera rosata sulle parti nude per esaltare maggiormente la resa epidermica.  L'opera è considerata come la prova più alta della ricerca della perfezione e della resa epidermica di Canova, grande estimatore dei canoni classici ma anche pronto ad andare oltre e farsi guidare dal suo genio.

LA NASCITA DI VENERE di Sandro Botticelli. Tempera su tela inchiodata su tavola di 172x278 cm, si trova nella Galleria degli Uffizi di Firenze e risale al 1483-1485 circa.

La dea Venere, nuda su una conchiglia, sorge dalla spuma del mare e viene sospinta e riscaldata dal soffio di Zefiro, il vento fecondatore, abbracciato a Clori, la ninfa che simboleggia la fisicità dell'atto d'amore. Sulla riva della spiaggia di Cipro, l'isola cara a Venere, una delle Ore, le ninfe che presiedono al mutare delle stagioni, porge alla dea un manto ricamato di fiori per proteggerla.
Anche in questo quadro, il racconto mitologico mutuato da Ovidio, nasconde un'allegoria neoplatonica basata sul concetto di amore come energia vivificatrice, come forza motrice della natura.
Il disegno è armonico, delicato; le linee sono elegantissime e creano, nelle onde appena increspate, nel gonfiarsi delle vesti, nel fluire armonico dei capelli della dea e nello stesso profilo della spiaggia , dei giochi decorativi sinuosi e aggraziati. I colori sono chiari e puri, le forme nette, raffinatissime e trovano la loro sublimazione nel nudo statuario e pudico della dea.La nudità di Venere è esaltazione della bellezza classicamente intesa e, al contempo, della purezza dell'anima.

LA PRIMAVERA di Sandro Botticeli. Tempera su  legno 203 x 314 centimetri, dipinto intorno al 1478          Firenze - Galleria degli Uffizi

Il titolo deriva da Giorgio Vasari, un artista e critico del XVI secolo, che ha descritto l'opera nel suo libro sulle "Vite" degli artisti.
I colori sono brillanti e preziosi, le figure eleganti, le donne sensuali e affascinanti; il ritmo della composizione è basato sulle linee curve, e l'impressione generale è quella di un mondo pieno di grazia, di armonia e di bellezza.
Eppure è un quadro enigmatico: non si sa bene cosa rappresenta. La lettura più conosciuta è quella che attribuisce ad ogni figura, partendo da destra, il nome di un mese: e, cominciando dall’aitante Zefiro-febbraio, si arriverebbe a Mercurio-settembre. Secondo un'altra teoria La Primavera rappresenta su tela la politica di coesistenza pacifica tra le maggiori città italiane, legate segretamente (questo il motivo di un’estrema metaforizzazione simbolica dei personaggi) da accordi in parte già conclusi e da fissare al più presto. Al centro di questa fitta trama di alleanze, la Firenze dei Medici.Certo, conosciamo l'identità dei nove personaggi allineati davanti a un boschetto ombroso, su un prato punteggiato da decine di fiori diversi... o, almeno, così sembra.
Da destra a sinistra vediamo:
Zefiro, il vento della primavera, mentre afferra la ninfa Cloris che, impaurita, tenta di sfuggirgli. La giovane che sparge fiori è Flora (ancora Cloris, che ha cambiato nome dopo le nozze con Zefiro). Al centro c'è Venere, che stende la mano verso le tre Grazie danzanti, mentre in alto svolazza Cupido. Infine appare Mercurio, assorto, che volta le spalle agli altri personaggi e tocca (indica? disperde?) le nuvole con un bastoncino (caduceo).